Kleinformaatportret in de prentkunst en in het ex-libris «Russisch Ex-librisblad»

Dit artikel heeft tot doel de ontwikkeling van het portret-ex-libris te tonen.
Bij de beschouwing van het portretthema binnen het brede spectrum van het ex-libris is het noodzakelijk de portretcanon te analyseren, het werk van meesters van de portretminiatuurprent vanuit historisch perspectief en van hedendaagse meesters van dit genre te bestuderen, evenals de portretvoorstelling in het moderne ex-libris te volgen.
Wat is een portret?
In de beeldende kunst is het portret een zelfstandig genre dat tot doel heeft de visuele kenmerken van het model weer te geven. Het portret toont het uiterlijk en daardoor ook de innerlijke wereld van een bepaalde persoon.
Een portret is de weergave van een levend gezicht in plastische vorm en tegelijkertijd de artistieke interpretatie daarvan.
Het woord is afkomstig van het Franse portrait (Oudfrans portraire) - «iets trek voor trek weergeven» - en betekent de afbeelding of beschrijving van een persoon met artistieke middelen, zoals schilderkunst, grafiek, prentkunst, beeldhouwkunst en fotografie; in de literatuur bestaat eveneens het verbale portret.
In het portret zijn allerlei vrijheden en afwijkingen minder toelaatbaar dan in andere genres, hoewel die soms worden voorgesteld als verfijning van smaak en artistieke zoektocht. Het staat buiten kijf dat het portretgenre in de twintigste eeuw, met de komst van het tijdperk van de non-figuratieve kunst, in verval is geraakt. De werken voldeden grotendeels niet langer aan de eisen van de ware portretkunst, in de betekenis die men eeuwenlang aan dit begrip had toegekend.
De functie van het portret
De weergave van het uiterlijk van een personage is in de beeldende kunst het enige middel om een artistiek beeld van de mens op te bouwen. Een portret kan als volledig bevredigend worden beschouwd wanneer het het origineel nauwkeurig weergeeft, met alle kenmerken van diens uiterlijk en innerlijke, individuele karakter. Het voldoen aan deze eisen behoort tot de taken van de kunst en kan tot hoogstaande artistieke resultaten leiden wanneer het wordt uitgevoerd door begaafde kunstenaars die in staat zijn hun talent, vakmanschap en smaak in de weergave van de werkelijkheid te leggen. Gelijkenis in een portret is niet alleen het resultaat van een getrouwe weergave van het uiterlijk van de geportretteerde, maar ook van de onthulling van diens geestelijke wereld en individuele eigenschappen, die hem eigen zijn als vertegenwoordiger van een bepaalde historische periode en sociale omgeving.
In de beeldende kunst is het portret niet alleen van belang in maatschappelijk opzicht, maar ook in particuliere en familiale zin. Dankzij de gelijkenis kan het aanspraak maken op historische betrouwbaarheid, doordat het een visueel begrijpelijke kroniek vormt en drager is van familiegelijkenis. Zo wordt onderscheid gemaakt tussen uiterlijke gelijkenis, die waarde heeft als historisch document of familiestuk, en innerlijke - esthetische - gelijkenis, die ervan overtuigt dat de geportretteerde er precies zo uit moet zien.
Subgenres van het portret
Het historische portret beeldt een persoon uit het verleden af en wordt door de meester gecreëerd op basis van herinneringen of verbeelding en met behulp van aanvullend materiaal (literair-artistiek, documentair enz.).
Het postume (retrospectieve) portret wordt na het overlijden vervaardigd aan de hand van afbeeldingen die tijdens het leven zijn gemaakt, of is zelfs volledig verzonnen.
Portretschilderij - de geportretteerde wordt weergegeven in een betekenisvolle en verhalende samenhang met de hem omringende wereld van voorwerpen, natuur, architectonische motieven en andere mensen (in het laatste geval betreft het een groepsportret).
Portrettype - een collectief beeld dat structureel nauw verwant is aan het portret.
Kostuumportret - een persoon wordt voorgesteld als een allegorisch, mythologisch, historisch, theatraal of literair personage.
Het zelfportret wordt doorgaans als een afzonderlijk subgenre beschouwd.

Genreportret
Familieportret

Visuele kenmerken van het portret in de beeldende kunst
naar compositie
De compositorische invariant van het portret bestaat uit een opbouw waarbij het gezicht van het model zich in het centrum van de compositie en in het brandpunt van de waarneming van de toeschouwer bevindt. Historische canons op het gebied van portretcompositie schrijven een bepaalde interpretatie voor van de centrale positie van het gezicht ten opzichte van de houding, kleding, omgeving, achtergrond enz. naar formaat:

     hoofdportretten (tot aan de schouders)
     borststukken
     portretten tot aan de taille
     portretten tot aan de heupen
     portretten tot aan de knieën
     portretten ten voeten uit

naar de stand van het hoofd:

     frontaal (Fr. en face, «van voren»)
     in kwartprofiel (naar rechts of naar links)
     half gedraaid
     in driekwartprofiel (Fr. en trois quarts)
     in profiel.

Het profielportret is een van de oudste vormen, aangezien voor de vervaardiging ervan minder tekenvaardigheid nodig was: in sommige gevallen werd de persoon niet naar het leven getekend, maar via een verlicht, doorschijnend scherm waarop zijn silhouet langs de contouren werd overgetrokken:

     rechthoekig formaat

verticaal formaat - het populairste formaat

     horizontaal formaat

ovaal formaat - verschijnt in een vergevorderd stadium van het portretgenre. Door zijn verfijnde vorm versterkt het de decoratieve functie van het portret.

     rond
     vierkant (komt zelden voor).

Techniek
De techniek waarin een portret is uitgevoerd, is een van de belangrijke factoren die het karakter van het gecreëerde portret beïnvloeden. Een kleinformaatportret dat als prent is uitgevoerd, komt over als een intiemer genre. De prentkunst werd vaak gebruikt voor het vermenigvuldigen van bekende geschilderde portretten.
Het ontstaan van verhalende en thematische ex-librissen hebben wij te danken aan de grote Duitse meesters uit de zestiende eeuw Albrecht Dürer, Lucas Cranach en Hans Holbein, en aan de Nederlandse kunstenaar en etser uit de zeventiende eeuw - Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Zij waren de eersten die zich toelegden op de gegraveerde portretminiatuur.
De portretminiatuur - een portret van klein formaat (tot 20 cm) - onderscheidt zich door een bijzondere verfijning, een specifieke uitvoeringstechniek en het gebruik van middelen die uitsluitend aan deze beeldende vorm eigen zijn. De soorten en vormen van miniaturen zijn zeer divers; ze worden uitgevoerd in verschillende prenttechnieken, met verschillende papiersoorten en speciale inkten.
De voorstelling kan overeenkomstig de compositorische oplossing van de auteur (of de wens van de opdrachtgever) in elk gewenst formaat worden geplaatst. Als klassieke portretminiatuur geldt een miniatuur die in de techniek van de burijngravure is uitgevoerd. Een miniatuurportret kan intiem of representatief zijn en al dan niet een verhalende grondslag hebben. Net als op een groot portret kan de afgebeelde persoon tegen een neutrale achtergrond, een landschappelijke achtergrond of in een interieur worden geplaatst. Hoewel het miniatuurportret aan dezelfde fundamentele ontwikkelingswetten en dezelfde esthetische canons onderworpen is als het portretgenre in zijn geheel, onderscheidt het zich daarvan zowel door de essentie van de artistieke oplossing als door het toepassingsgebied - de miniatuur heeft altijd een intiemer karakter.
Het portret is altijd een van de belangrijkste thema’s binnen de beeldende kunst geweest en blijft dat ook. Kunstenaars wenden zich vaak tot portretvoorstellingen, want het is niet alleen een veelgevraagd en hooggewaardeerd genre, maar biedt ook een bijzonder interessante mogelijkheid om de fysieke en vooral de psychologische aard van de mens te bestuderen.
In de negentiende eeuw werden dergelijke portretten onderdeel van het interieur: in werkkamers, salons en bibliotheken werden ingelijste miniaturen op tafel geplaatst of aan de muren gehangen. Vaak was een hele wand gevuld met rijen miniatuurportretten die aan familieleden en dierbaren herinnerden.
Het artistieke portret is in wezen een collectief beeld dat het karakter, de emoties en de innerlijke wereld van een persoon weergeeft. Daarom kiest de kunstenaar vóór het vervaardigen van een portret de meest geslaagde foto of enkele van dergelijke foto’s uit. Voor de maker van het portret is het van groot belang zo veel mogelijk informatie te verkrijgen om de afgebeelde persoon zo volledig mogelijk te kunnen onthullen.
De zogenoemde «portretten naar foto’s» worden door kunsthistorici niet als echte portretten beschouwd, omdat het zonder poseren onmogelijk is een werkelijk waardevol kunstwerk binnen het portretgenre te creëren. Zij rekenen ook portretten naar reproducties niet tot de portretkunst, omdat in dergelijke afbeeldingen verzinsels en onjuiste interpretaties binnensluipen. Gewoonlijk vormen ze slechts een mechanische weergave van de gelaatstrekken, zonder het karakter van het model over te brengen. Wat moet men dan zeggen over herdenkingsportretten?!
Een technisch complexe portretminiatuur kan in verschillende grafische technieken worden uitgevoerd en is slechts voor uitverkoren graveurs weggelegd. De kring van opdrachtgevers voor dergelijke portretten is zeer beperkt. De techniek van de portretminiatuur is specifiek voor dit genre: bij burijngravures moet men over een filigraine graveervaardigheid beschikken, terwijl geëtste portretten worden uitgevoerd met het fijnste stippelwerk (pointillé) - kleine puntjes of korte streepjes die samen de voorstelling vormen. De achtergrond en kostuums worden vaak met een bredere, vrije lijn uitgewerkt.
Meesters
Ik zou uitvoeriger willen stilstaan bij twee hedendaagse kunstenaars van de portretminiatuur, die tevens meesters van het artistieke portret-ex-libris zijn. Dit zijn Anatoli Kalasjnikov (1930-2007, Rusland) en Lembit Lõhmus (geboren in 1947, Estland).
Het werk van Anatoli Ivanovitsj Kalasjnikov is bekend bij alle liefhebbers van grafiek in klein formaat, ex-librissen en filatelie. Hij vervaardigde meer dan twintig prachtige herdenkingsportretten. De kunstenaar maakt portretten in opdracht van boek- en muziekuitgeverijen en maatschappelijke organisaties, of geïnspireerd door zijn eigen belangstelling voor een persoonlijkheid. Portretten van belangrijke staatslieden en politieke figuren worden vervaardigd om de herinnering aan de afgebeelde personen te vereeuwigen.
Het beroemde portret van Pjotr Iljitsj Tsjaikovski werd gemaakt voor het naar hem genoemde Internationale Pianistenconcours. Samen met de beste werken van Kalasjnikov vormt dit portret de ware roem van de kunstenaar. Hier komt zijn meesterschap als portrettist volledig tot uitdrukking. Het portret van Tsjaikovski is klein van formaat, maar dat doet niets af aan de indruk van uitzonderlijke grootsheid en monumentaliteit van het beeld.
De portretten van Erasmus van Rotterdam, de componisten Giuseppe Verdi, Dmitri Sjostakovitsj en Franz Liszt, Omar Khayyam en Michail Sjolochov, de scheikundige Dmitri Mendelejev en de boekuitgever Ivan Sytin behouden de nauwkeurige compositie van het klassieke portret: een draaiing in driekwartprofiel, plaatsing in de ruimte en een zorgvuldige uitwerking van gezicht en handen. De auteur kan onze aandacht vestigen op bepaalde virtuoos uitgewerkte voorwerpen. Hij kan de achtergrond weglaten of deze, ondanks de uitwerking, vrijwel neutraal maken. Kalasjnikov bouwt in zijn portretten architectonische composities op in een plechtig «grafisch koloriet». Hij verrijkt zijn werk met procédés uit de monumentale schilderkunst en vertaalt deze naar de prentkunst, maar is vrij van navolging van welk artistiek gezag dan ook. In dit alles komt het rijpe meesterschap van Kalasjnikov als portrettist ten volle tot uitdrukking.
In de portrettengalerij van de kunstenaar is de lijncompositie doortrokken van beweging; de lijnen kruisen elkaar vrijwel niet, breken scherp af en creëren, uitgevoerd met uiteenlopende intensiteit en kracht, tonale verhoudingen en schakeringen. Het werk is opgebouwd uit het contrast tussen witte en zwarte vlakken, dat zo kenmerkend is voor grafische kunstwerken. Dit alles brengt de gespannen, innerlijk dramatische karakters van de geportretteerden op ons over. Alle portretten zijn uitgevoerd als houtgravure en zetten één beeldende graveerwijze voort die uitsluitend kenmerkend is voor A. Kalasjnikov.
Zijn portretten maken deel uit van architectonische of illustratieve taferelen die passen bij de inhoud die wordt onthuld. De kunstenaar gebruikt zelden landschappelijke of neutrale, gesloten achtergronden die de aandacht van het portretbeeld zouden afleiden.
Het werken met ondersteunend materiaal en een zorgvuldige, verfijnde tekening vormen de grondslag van de portretkunst van A. Kalasjnikov. Zijn houding tegenover de modellen is vrij van overdreven gevoelens en emoties. De auteur streeft ernaar de kwaliteiten en verdiensten van zijn geportretteerden, zowel de uiterlijke als de innerlijke, te benadrukken en hun beelden te verheffen. Hierin zijn een diepe menselijkheid en democratische gezindheid voelbaar.
Vaak vindt A. Kalasjnikov één of twee kenmerkende details waarvan de afbeelding de typering van zijn modellen versterkt. Hoewel ze uit de verbeelding zijn ontstaan, dragen ze tegelijkertijd kenmerken van levensechte overtuigingskracht. De beelden onderscheiden zich door een bijzondere poëtische en verheven aard. De gelijkenis en nauwkeurigheid waarmee de geportretteerden zijn afgebeeld, zijn in elk portret zichtbaar. Voor iedere individualiteit vindt de kunstenaar de juiste verhouding tussen evenwicht of stabiliteit, dynamiek of rust. Maar altijd is er dat verfijnde gevoel voor maat, dat getuigt van het hoogontwikkelde gevoel en professionele meesterschap van de kunstenaar, evenals van zijn respectvolle houding tegenover zijn personages. Elk portret van A. Kalasjnikov ademt leven.
Het beeld in het zelfportret, vervaardigd en afgedrukt van de oorspronkelijke plaat als frontispice voor de uitgave «Ex-librissen van Anatoli Ivanovitsj Kalasjnikov» (reeks «Ex-librissen van de voornaamste meesters van de grafische kunst», Moskou, 1976), is volumineus en contrastrijk vormgegeven. Een later zelfportret, een soort programmatisch werk, is uitgevoerd in zachte lijnverhoudingen; de tonale uitwerking stemt overeen met de werkelijkheid die de geportretteerde omringt.
De nuances en schakeringen van de innerlijke gemoedstoestand van het model zijn niet bepalend. Voor de kunstenaar is het belangrijker de grafische toestand van het beeld over te brengen. De witte achtergrond van het vlak bepaalt niet zozeer de grenzen van de voorstelling, als wel datgene wat in lijnen is uitgevoerd te verscherpen en te accentueren.
Anatoli Ivanovitsj Kalasjnikov is een markante voortzetter van het verhalende en thematische ex-libris, dat in Rusland in de tweede helft van de achttiende eeuw ontstond, en behoort tot de generatie voortzetters van de Moskouse school van de houtsnijkunst, naast kunstenaars als V. Favorski, A. Kravtsjenko, P. Pavlinov en anderen, die een enorme bijdrage aan de prentkunst hebben geleverd.
Wanneer wij in wezen spreken over de galerij van portret-ex-librissen van A. Kalasjnikov, mogen wij ook het enorme aantal portretten niet vergeten dat hij voor postzegels ontwierp en waarin de stijl van zijn werk als reproductiekunstenaar van de Pavlovsk-school op bijzondere wijze werd verfijnd. Het gaat onder meer om het portret van Moessorgski in het ex-libris van Gennadi Rozjdestvenski, het portret van Je. Jevtoesjenko in het ex-libris van Luc van den Briele en het beeld van Rudolf Steiner in het ex-libris van G. Strobel.
De kunstenaar bouwt de composities van de boekmerken beknopt en consequent op en onthult steeds op onverwachte wijze de complexiteit van het beeld. Hij is een meester in het onthullen van de diepte en rijkdom van het innerlijke thema. Ondanks het kleine formaat is de innerlijke schaal van de door de kunstenaar gecreëerde beelden verwant aan de monumentale kunst. De beelden in de boekminiaturen van A. Kalasjnikov zijn synthetisch en meerlagig; zij ontstaan uit een organische verbinding van verschillende associaties. Met spaarzame artistieke middelen brengt de kunstenaar het karakter overtuigend over.
De geconcentreerde gezichtsuitdrukking en de entourage in het portret-ex-libris benadrukken de rijkdom van de geestelijke wereld van de geportretteerde. In zijn composities draait de kunstenaar het gezicht van het model doorgaans in driekwartprofiel, wat de indruk enigszins verzacht, maar de gezichtsuitdrukking niet verfraait. De uitgewerkte grenzen van licht en schaduw trekken de aandacht van de toeschouwers en voltooien de innerlijke karakterisering van het portretbeeld.
De Estse graveur Lembit Lõhmus leverde een enorme bijdrage aan de kleinformaatportretkunst. In vergelijking met de kunst van A. Kalasjnikov streeft L. Lõhmus ernaar in zijn portretten alle kenmerken van het portret te benutten: wat de stand van het hoofd betreft - van frontaal tot half gedraaid, en wat het formaat betreft - van hoofdportretten tot portretten tot aan de taille.
In de kleinformaatportretten van L. Lõhmus is zichtbaar tot waar de invloed van het klassieke portret in zijn werk reikt en waar zijn eigen, zelfstandige begrip begint. De kunstenaar modelleert gezichten, handen en kleding zorgvuldig, maar de details van zijn modellering vervagen niet in «sfumato»; integendeel, ze treden plastisch en scherp naar voren. Waar veel grafici de voorkeur geven aan de geheimen van de uitwerking van zwart en wit en aan subtiele overgangen tussen licht en schaduw, zoekt L. Lõhmus naar heldere beeldende oplossingen, waarbij hij gebruikmaakt van een verscheidenheid aan uiterst subtiele vergelijkingen en contrasten. In compositorisch opzicht zijn zijn portretten voorzien van elementen van stabiliteit, evenwicht en statiek.
In zijn werken gebruikte de kunstenaar alle verworvenheden van de gegraveerde portretkunst uit verschillende tijden. Artistiek gezien zijn zijn vroege portretten nog in hoge mate een verkenning van de bijzonderheden van de portretkunst van vooraanstaande voorgangers en tijdgenoten. Nadat hij het beste daarvan in zich had opgenomen en zijn creatieve methode ermee had verrijkt, schiep hij vervolgens zijn eigen stijl en zijn eigen artistieke werkwijze.
De belangrijkste verdienste van de portretkunst van L. Lõhmus is zijn vermogen om het beeld van het model over te brengen zoals het is, terwijl hij binnen de strikte kaders van het formele meesterschap blijft en voornamelijk aandacht besteedt aan de geheimen van het professionele vakmanschap.
Zo is het portret van zijn leermeester op afstand, Wim Zwiers, uitgevoerd als burijngravure. De portretten van de bekende kalligraaf Villu Toots en de kunstenaar Richard Kaljo zijn uitgevoerd in de techniek van de houtgravure. Aan de hand van enkele foto’s wist L. Lõhmus de karakters van de modellen te vatten en bewees hij dat het resultaat wordt bepaald door het meesterschap van de kunstenaar. Het maakt daarbij niet uit of hij naar het leven tekent of een foto gebruikt. Zijn portretten onderscheiden zich door een sterke individualisering van de beelden en door de concreetheid van de uiterlijke en innerlijke kenmerken. Het belangrijkste voordeel van een dergelijke methode is dat het model geen tijd hoeft te besteden aan poseren en dat het beeld individueel wordt geïnterpreteerd. En ondanks het feit dat de artistieke waarde van dergelijke werken door «klassieke» kunsthistorici laag wordt ingeschat, is de arbeidsintensiviteit van zulk werk in klein formaat tamelijk groot.
De kunstenaar creëerde een omvangrijke portrettengalerij: Richard Wagner, Kr. Raud, O. Luts, het portret van zijn vader enz. Ondanks de duidelijke creatieve continuïteit tussen deze portretten vertonen ze veel verschillen, waardoor men bij vergelijking de analyse van de geportretteerde en de verschillen tussen de artistieke werkwijzen van de gebruikte prenttechnieken beter kan begrijpen.
De evenwichtige ex-librisportretten van L. Lõhmus, met hun rustige overgangen, verschillen van de gezichten in de boekmerken van A. Kalasjnikov door hun rijke, contrasterende combinaties van lichte en diepe donkere vlakken.
Bij de Estse graficus zijn de composities in sterkere mate frontaal en spelen ze zich voornamelijk op de voorgrond af. De belangrijkste aandacht gaat uit naar het onthullen van de innerlijke wereld van de geportretteerden. Binnen één compositie vergelijkt en verenigt de kunstenaar twee verschillende beginselen: het ruimtelijke en het vlakmatige, een doordachte achtergrond en een inhoudelijke lading.
In zijn portret-ex-librissen brengt de kunstenaar duidelijk het accent, de artistieke voltooiing en de constructieve helderheid tot uitdrukking.
Nadat hij zijn meesterschap als portrettist had verfijnd en zijn werken met uiteenlopende artistieke procédés had verrijkt, droeg L. Lõhmus ertoe bij dat sommige portretten in boekmerken veranderden in historisch-documentaire portretten. Daartoe kunnen de volgende ex-librissen worden gerekend: dat van Mati Metsaviir, vervaardigd ter gelegenheid van diens jubileum, en die van Linda Kaljo, Boris Levy, Gerhard Treier, met een afbeelding van T. Riemenschneider.
De portretten in de ex-librissen van A. Hausweiler, H. Lepik, J. Bruggeman en P. Vaher zijn interessant doordat de kunstenaar daarin als het ware al zijn technische verworvenheden synthetiseert en het individuele portret met plastisch-decoratieve procédés verenigt. De compositie van ieder ex-libris wordt doordacht en met getalenteerde fijnzinnigheid uitgewerkt, waarna zij met juweliersprecisie wordt uitgevoerd. Het belangrijkste expressiemiddel in de meeste ervan is de tonale modellering, die doorgaans niet samenhangt met de bijzonderheden van een concrete belichting. De lijntoon bouwt de voorstelling op en draagt de voornaamste emotionele lading. Voor de kunstenaar is het belangrijk om met alle mogelijke middelen de portretkarakteristiek uit te drukken en het lyrische aspect te benadrukken. Het met grote tact ingevoerde schrift verleent een gevoel van voltooiing. Het schrift in de boekmerken van A. Kalasjnikov is steeds hetzelfde; het werd ooit gevonden en vervolgens in het werk van de kunstenaar uitgewerkt. Bij L. Lõhmus is het lettertype zeer beweeglijk en wordt het gemodelleerd afhankelijk van het afgebeelde personage.
Elk van de genoemde kunstenaars-graveurs heeft een grote bijdrage geleverd aan de bevordering van de portretkunst binnen de grafiek in klein formaat. De gecreëerde portrettengalerijen van cultuurdragers en particulieren bezitten een onbetwistbare artistieke waarde, waardoor men de creatieve methode kan bestuderen en verrijken. De artistieke werkwijze en stijl kan analyseren.
Het kleinformaatportret in het werk van Moldavische kunstenaars.
In Moldavië ontwikkelde en verspreidde het kleinformaatportret in de prentkunst zich als vorm van grafiek in klein formaat in de jaren zestig van de vorige eeuw. Dit verschijnsel hield verband met de snelle ontwikkeling van de boekdrukkunst en de stijging van het niveau van de boekillustratie in de republiek. In deze periode ontstond in de republiek een collectief van professionele grafische kunstenaars die een gespecialiseerde opleiding op het gebied van boekillustratie hadden genoten. De boekuitgeverij verbreedde het scala van creatieve ambities en vergrootte de belangstelling voor het doorgronden van beeldend-plastische oplossingen. Er verschenen uitgesproken artistieke persoonlijkheden die in staat waren hun eigen visie in het genreportret, het illustratieve portret en het portret in het boekmerk in te brengen.
De meester van de boekkunst, academicus Ilja Trofimovitsj Bogdesko, creëerde een hele galerij portretten van klassieken uit de wereldliteratuur. Het betreft Jonathan Swift en Erasmus van Rotterdam, Miguel de Cervantes en Milescu Spătaru, Nikolaj Vasiljevitsj Gogol en Fjodor Michajlovitsj Dostojevski. De portretten uit het kunstenaarsatelier van I. Bogdesko geven een beeld van de creatieve ambities van de meester, het bereik van zijn zoektochten en zijn vrije beheersing van de graveertechniek.
De roman «Reizen naar verschillende afgelegen landen van de wereld door Lemuel Gulliver, eerst chirurgijn en daarna kapitein van verschillende schepen» van J. Swift behoort tot de grootste satirische boeken van de wereldliteratuur. De helderheid van stijl en de creatieve benadering van I. Bogdesko kwamen in het bijzonder tot uitdrukking in de portretvoorstelling van de grote satiricus en humanist op het frontispice van het boek. Het portret van Jonathan Swift (1998) is een klassiek historisch portret dat door de meester vanuit zijn verbeelding en op basis van literair-artistiek materiaal werd gereconstrueerd. Overeenkomstig de historische canon wordt de geportretteerde voorgesteld in een verhalende samenhang met de hem omringende wereld van noodzakelijke voorwerpen: een boek, een kaart, een pen en een inktpot. Het motief schrijft een bepaalde interpretatie voor. De compositie wordt gepresenteerd als een theatraal historisch interieur. De beeldend-artistieke structuur van het portret van J. Swift is ondergeschikt aan de weergave van de belangrijkste verhalende en inhoudelijke lijnen van deze satirische roman. Het realistische portret van de auteur van het werk is opgebouwd in contrast met de satirische illustraties, die soms in groteske vormen overgaan. I. Bogdesko toont ten volle de verdiensten van zijn talent als tekenaar en gebruikt de uiteenlopende beeldende procédés van de burijngravure op koper in al haar glans en schoonheid.
Het portret van Erasmus van Rotterdam, de vooraanstaande verlichtingsdenker en humanist van de middeleeuwen, dat voor het werk «Lof der Zotheid» werd uitgevoerd, ontstond in 1979. Ook hier schitterde I. Bogdesko opnieuw als kunstenaar-denker, terwijl hij de traditie van de onthulling van het artistieke beeld voortzette en verdiepte. Prachtig is het portret van Erasmus: voor ons staat zowel de wijze als de denker en de schalk. Een ironische glimlach beroert lichtjes zijn lippen; daarachter schuilen begrip en alziendheid. Filosofisch kijkt Erasmus naar de grimassen en sprongen van de universele dwaasheid om deze aan de wereld te tonen. De kunstenaar slaagde erin de belangrijkste, bepalende karaktertrekken van Erasmus van Rotterdam over te brengen: zijn enorme intellect en geestkracht. Het portret is modern en tegelijkertijd «slaat» de auteur «een brug door de tijd» die ons verbindt met de tekeningen en prenten van Erasmus’ tijdgenoten. De graficus I. Bogdesko reproduceert de kenmerkende procédés van de toenmalige burijngravure. De sfeer van die tijd wordt niet alleen door het portret geschapen, maar ook door de gehele compositie, die door de kunstenaar zorgvuldig is doordacht en even zorgvuldig is uitgevoerd.
In het portret van Miguel de Cervantes (1996) is de compositiekeuze van de kunstenaar nog altijd nauwkeurig, zorgvuldig en volledig ondergeschikt aan de inhoudelijke onthulling van het beeld van de schrijver, en niet aan uiterlijke aantrekkelijkheid. De opbouw van de figuur, de blik, de plaatsing van de hand, de wisselwerking tussen de witte achtergrond en de ingesneden zwarte lijnen, evenals het gegraveerde handgeschreven lettertype dat het portret onopvallend aanvult, voeren ons binnen in een bepaalde historische tijd, in het portret
«van dat tijdperk». De burijnstijl van de kunstenaar klinkt steeds zelfverzekerder, expressiever en strenger. Al deze elementen verplaatsen het zwaartepunt van het portret zichtbaar van de zuiver beeldende, illustratieve sfeer naar de psychologische en emotionele sfeer. I. Bogdesko gebruikt de zuivere taal van de burijngravure op koper, die rijk is aan artistieke mogelijkheden en grafische nauwkeurigheid.
De grafische werkwijze en de toon worden complexer in het portret van Nikolaj Vasiljevitsj Gogol (1995). Maar ook in deze gravure blijft het principe van de beeldende compositie voor I. Bogdesko ongewijzigd. Ondanks het zeer brede technische potentieel van de kunstenaar blijft de stijl van de beeldende interpretatie altijd dezelfde - terughoudend. De schrijver Gogol verschijnt voor ons in een gespannen en nadenkende toestand. Het ontbreken van details brengt ons in een toestand van geconcentreerde aandacht voor de geportretteerde en maakt het mogelijk het afgebeelde beeld scherper te begrijpen.
Opmerkelijk is ook dat I. Bogdesko in het portret van Fjodor Michajlovitsj Dostojevski (1995) veel aandacht besteedt aan de weergave van de omringende materiële omgeving en daarbij de stedelijke architectuur benadrukt. Hierdoor kan de kunstenaar de inhoudelijke subtekst beter zichtbaar maken en een bepaalde emotionele schakering in de beeldende structuur van het portret aanbrengen. Dostojevski «bevindt zich» in de kenmerkende omgeving waarin zijn personages leven. De gelijkmatig dunner wordende uiteinden van de gegraveerde lijnen, de dichtheid van de arcering en de «zilveren glans» - dit zijn allemaal kenmerken van de klassieke burijngravure.
In het portret van Milescu Spătaru (uitgevoerd in 1998) wordt traditioneel een verticaal compositieformaat gebruikt. In de uitgevoerde halffiguur van de publieke figuur ontstaat een gevoel van «autonome kunst» en van de intonatie van de tijd. Het beeld is in een gestileerd-plastische omgeving geplaatst en visueel verbonden met de onopvallend begeleidende tekst «Milescu Spătarul». De tekening is zorgvuldig verfijnd en voorzien van een historische karakterisering van de held.
De gravure onderscheidt zich door het ontbreken van de klassieke «zilveren glans», die ontstaat door de aanwezigheid van gegraveerde «bramen» en «strookjes» die niet met een schraapstaal zijn verwijderd. De indruk ontstaat dat het portret in de techniek van de «droge naald» is uitgevoerd.
Leonid Stepanovitsj Nikitin leverde een belangrijke bijdrage aan het kleinformaatportret. De kunstenaar sloot zich organisch aan bij de brede stroom van de «jonge grafiek» van de jaren zestig, een stroom van fascinatie voor linoleumsnede en kunststof. Hij vond zijn eigen weg, zijn eigen «grafische stem» en «intonatie». De verwezenlijking van persoonlijke, en niet ontleende, creatieve ervaring kreeg voor de auteur een bijzondere waarde. Vandaar ook de versterking van het persoonlijke beginsel in de portretprent. In zijn werken demonstreerde de kunstenaar beknoptheid in een strikt «zwart-witte stijl», de energie van gehakte vormen en lijnen, die een eigenaardig monumentalisme van de toenmalige werkelijkheid en moderniteit in zich droegen.
Tijdens zijn werk aan de illustraties voor het werk van V. Roezjina «Jaloers op Copernicus» (1970) creëerde L. Nikitin voor de boekomslag een portret van Vladimir Majakovski. De verfijnde elegantie van de ritmische combinaties, de lijntoon en de opvallende virtuositeit in de uitvoering van het portret op organisch glas klinken niet overtuigend in verhouding tot de creatieve stijl van Vladimir Majakovski en zijn complexe en bovenal ernstige houding tegenover de processen die zich destijds in de wereld voltrokken. De ontevredenheid over deze discrepantie bracht de kunstenaar Nikitin ertoe in 1976 een nieuw portret van de dichter van de revolutie te vervaardigen, wat hij met groot succes deed.
In vrijwel alle portretten die in het tijdperk van de jaren tachtig zijn vervaardigd, is het overwicht van de formele grafiek voelbaar en blijkt de cultuur en hoge vakbekwaamheid van de graveur.
In 1981 creëerde hij een grote portrettencyclus «Europese verlichtingsdenkers». Het betreft portretten van Antonio Labriola, August Bebel, Franz Mehring en Ivan Lopatin. Al deze portretten worden verenigd door hun uitvoeringswijze, de inhoudelijke en grafische structuur van de beelden, de geconcentreerdheid van de compositie en soms hun monumentaliteit. Door de «onvoltooidheid» van sommige grafische portretten op artistieke wijze vorm te geven, bereikt Nikitin de meest expressieve vorm en een expressieve lijn die een subtiele, kenmerkende omtrek creëert en het werk als geheel verrijkt door de portretten een sterker karakter te verlenen. Nadat hij een groot aantal zogenoemde «portrethertekeningen» voor gravures had uitgevoerd en daardoor inzicht had verkregen in de mogelijkheden van het portretgenre, werkte de kunstenaar met bijzondere verantwoordelijkheid en volledige toewijding aan «verbeelde portretten». Elk van zijn portretten is een psychologisch onderzoek, een ontdekking die door langdurig en nauwgezet werk is bereikt. Daartoe behoren de portretten van Dimitrie Cantemir, Mihai Kresescu en Aleksandr Herzen.
Het werk van de kunstenaar Nikitin kwam bijzonder helder tot uitdrukking in de portrettenreeks «Russische cultuurdragers»: Michail Lomonosov, Antioch Cantemir en Ivan Volkov (1982). Het is moeilijk het oneens te zijn met zijn graveerinterpretatie en met de sfeer waarin de portretten van L. Nikitin «leven». De tendens in de uitvoering en de eenheid in de opbouw van de reeks volgens de beeldende oplossing, evenals de wijze waarop de formaten van de gravures worden georganiseerd, zijn duidelijk zichtbaar. In de uitwerkingen is, zo niet de invloed van de Moskouse graveerschool, dan toch in ieder geval verwantschap daarmee voelbaar.
Het portret van zijn vrouw en het zelfportret zijn opgebouwd uit plastische contrasten. Ze werken voornamelijk rechtstreeks op de toeschouwer in door middel van associaties, de erin vervatte literaire ideeën en een bepaalde grafische stijl. Ondanks de aanzienlijke tonale contrasten blijken zij onvoldoende actief voor de waarneming en de daarmee samenhangende interpretatie van het werk. Hiermee wordt de psychologische karakterisering van de echtgenoten bedoeld. Plastisch wordt de compositie niet opgevat als een innerlijke strijd tussen twee individuen, maar slechts als een decoratieve benadering. Het portret van zijn vrouw Valentina is typerend voor de bloeiperiode van het kunstenaarschap van de auteur en houdt waarschijnlijk verband met zijn fascinatie voor het werk van V. Favorski. Het vrouwenportret (er zijn er meerdere, vervaardigd in verschillende jaren) toont duidelijk de geestelijke en creatieve instelling van de meester.
Leonid Nikitin boekt succes wanneer hij een thema ontmoet dat beantwoordt aan zijn reeds gevormde systeem van artistiek denken en beeldende procédés.
In de jaren tachtig werd de kunstenaar Isai Grigorjevitsj Cârmu door uitgeverij «Cartea Moldovenească» betrokken bij het illustreren en vormgeven van werken van klassieken uit de wereldliteratuur (Petrarca, Sebastian Brant en Pablo Neruda). Bij zijn werk met literair materiaal vond hij via de langshoutsnede zijn eigen individuele benadering van het illustreren van werken. Drie schrijversportretten voor de werken «Lyriek» van Petrarca (1980), «Het Narrenschip» van Sebastian Brant (1979) en
«Poëzie» van Pablo Neruda (1981) zijn uitgevoerd in de klassieke stijl van de houtsnede. Het door Isai Cârmu uitgevoerde portret van Petrarca is het enige door Moldavische grafici vervaardigde portret van de dichter. Voor de toeschouwer verschijnt een terughoudend en statig beeld uit de renaissance. De kunstenaar is bijzonder goed geslaagd in zijn artistieke benadering: hij brengt de dichter niet dichter bij ons, maar brengt ons juist met een grafisch procédé dichter bij hem. Het portret, afgedrukt op papier dat door de ouderdom vergeeld lijkt, opent op unieke wijze voor ons de wereld van Petrarca’s tijd. De kunstenaar «graveert» voor onze ogen de tijd die de grote dichter heeft voortgebracht.
Een even boeiende reis naar een ander tijdperk maken wij in het boek «Het Narrenschip», met het portret van S. Brant. Het betreft een historisch portret tot aan de taille, waarop de auteur door de kunstenaar lezend in een literair werk is weergegeven; het beeldende uitgangspunt is echter de groteske.
De prentencyclus voor Pablo Neruda’s boek «Canto General» toont ons dat Isai Cârmu een meester is in het doorgronden van het tragische. Ondanks het feit dat de auteur van de poëzie een vertegenwoordiger van de twintigste-eeuwse literatuur is, kiest de kunstenaar uit het volledige illustratieve arsenaal opnieuw voor de langshoutsnede en één zwarte inkt. Deze kleur lijkt voor hem het gevoel van verdriet vooraf te bepalen. Het portret is in profiel uitgevoerd en doet denken aan een gedenkplaat met jaartallen en een tekst uit het werk van de dichter.
De portretwerken van I. Cârmu zijn voorbeelden van strenge constructieve oplossingen die worden bepaald door de gekozen werkwijze, door het vermogen te werken in een «uitgegraveerde» toon, in een zwart-witgravure en met een nauwkeurig gekozen lijn. Hij voert de toeschouwer niet naar het terrein van louter formele creativiteit of decorativiteit. Dit wordt verhinderd door het besef van de functionele eigenschappen van het portret en door de creatie van een beeld. De kunstenaar heeft een zeer belangrijke bijdrage geleverd aan de Moldavische houtgravure-illustratie van het einde van de jaren tachtig van de vorige eeuw.
Vadim Edoeardovitsj Rjaboj introduceert in de Moldavische ex-librisschool een onnavolgbaar individuele portretstijl in het boekmerk. Zijn boekmerken zijn voornamelijk uitgevoerd in etstechnieken (geëtste lijn, mezzotint, aquatint en droge naald). Hij vond een individuele schakering in zijn visie, ongeacht of het om een zelfportret of een portret van zijn vrouw en dochter gaat. Objectief gezien richten zijn gravures zich niet op de oplossing van een psychologisch thema in het portret. De graficus brengt de beelden over zoals ze op het moment van de voorstelling zijn, terwijl hij binnen de kaders van de artistieke schepping blijft en vooral aandacht besteedt aan professioneel vakmanschap.
De aan zijn dochtertje Ksenia opgedragen miniatuur (1980) is met bijzonder veel gevoel in de techniek van de «ets» uitgevoerd. In het portret zijn gelijkenis en nauwkeurigheid van de afbeelding voelbaar. In het gezicht van het kind wordt een toestand van rust en bedachtzaamheid weerspiegeld. Compositorisch vindt de kunstenaar een evenwicht voor de geportretteerde en doorbreekt hij deze toestand met een constructief-expressief element - het opschrift «Ksenia», uitgevoerd op een tweede plaat. De miniatuur is rijk aan tonale arcering en de expressiviteit van de vrije lijn.
Het verhalende karakter van de portretten, de conventionele artistieke expressiemiddelen en de metaforische aard zijn met elkaar verweven in een tweeluik dat in 1986 werd vervaardigd voor zijn vrouw Joelia Katalnikova (aangeduid als JK) en voor de auteur zelf (aangeduid als VR). De afbeeldingen zijn uitgevoerd op ronde zinken platen, met een surrealistische interpretatie en toepassing van de techniek van de «aquatint». Juist in deze werken onthulde de auteur de artistieke structuur van zijn kunst en formuleerde hij voor zijn verdere werk een zelfstandig concept. In deze ex-librissen combineert V. Rjaboj de beeldende eigenschappen van het portret op geslaagde wijze met het schrift.
De benadering van het thema, het motief en het beeld blijkt expressief in het drieluik dat in 1989 werd vervaardigd voor de Interrepublikeinse Tentoonstellingswedstrijd «Het leven en werk van Aleksandr Sergejevitsj Poesjkin». Terwijl de kunstenaar de algemene stijl handhaafde en portretten van de dichter in zijn jeugd en op volwassen leeftijd, evenals het dodenmasker van het genie afbeeldde, vond hij een poëtische antithese en een fundamenteel beeldend procédé: «mensen, bewonderaars en poëet». Dit procédé maakte het mogelijk expressieve composities te vinden die rijke beeldsymbolen van de tijd tot één geheel verenigden. Er is een zeer selectieve weg zichtbaar naar het thema, naar de inhoudelijke meerduidigheid en naar de betekenis van het portret. De graveur voelt zich vrij en ongekunsteld en maakt gemakkelijk gebruik van plastische en technische graveerprocédés. De ex-librissen, uitgevoerd in open ets in combinatie met een verzadigde lijnintonatie, zijn decoratief in hun oplossing en organisch in hun stijl. De werken dragen iets bijzonders en onnavolgbaars in zich.
In het kleinformaatportret van zijn vrouw gebruikt de kunstenaar meesterlijk alle mogelijkheden van de «mezzotint», een techniek die alleen op het eerste gezicht eenvoudig is en waarin expressiviteit, rijkdom van toon en de fluweelachtigheid van het zwart bepaald niet gemakkelijk te bereiken zijn. Bij het organiseren van de portretruimte interpreteert de auteur in zijn compositie de centrale positie van het hoofd. Met grafische procédés creëert hij het koloriet van de monumentale schilderkunst en vestigt hij onze aandacht op bepaalde uitgewerkte elementen van het gezicht, waarbij hij de achtergrond nu eens oplicht en deze vervolgens opnieuw met de beoogde intensiteit van zwart verzadigt. In dit werk dompelt V. Rjaboj de toeschouwer onder in de zintuiglijke werkelijkheid van het portret en maakt hij hem tot deelnemer aan het creatieve proces.
De kunstenaar verrijkt zijn technisch complexe portretminiaturen met uiteenlopende procédés en bevrijdt ze van navolging van welke artistieke concepten dan ook.
Ook M. Vakartsjoek (portret van Dimitrie Cantemir), M. Gerasimov (portret van Jemeljan Poegatsjov), G. Zlobin (portret van de dichter Mihai Eminescu) en A. Oesov (portret van Byron) hielden zich bezig met de ontwikkeling van het gegraveerde portret in de boekillustratie. In het boekmerk deden Je. Jepoer en V. Herța dit.
Mijn creatieve ervaring met het portret.
Een van mijn eerste kleinformaatportretten werd in 1982 door mij in de techniek van de «ets» vervaardigd voor de bundel «Aforismen» van Bernard Shaw. Voor de moderne mens is een aforisme een vrij abstracte vorm: het is een uitspraak die op zichzelf rondzweeft en een «geschenk» aan de lezer vormt. De gedachten van de auteur, verlicht door het licht van het geestelijke leven, lijken de graficus aanleiding te geven tot een rationeel «citeren» van het uitgesprokene, waarbij aan de verfijning van de taal een bijzondere verborgen artisticiteit wordt verleend. Wanneer een illustrator met materiaal van dit niveau werkt, nadert hij onvermijdelijk de gedachte om de metafoor van het leven door een surrealistische betekenis te vervangen. Dit alles moest wel tot uitdrukking komen in het portret van B. Shaw, dat met fotografische nauwkeurigheid en in een imiterende stijl is uitgevoerd, hetgeen contrasteert met de werken van de meester van het aforisme zelf.
De portretten van Catharina II, Aleksandr Soevorov en Fjodor Oesjakov, die in 1990 voor het Historisch Museum van Tiraspol werden vervaardigd, zijn op een andere wijze uitgewerkt. De gravures onderscheiden zich door een realistische benadering van het model en door hun «afgewerktheid». Voor het werk aan de portretten waren tientallen interessante «ontmoetingen» met de bovengenoemde personages nodig.
Doorgaans werd de keizerin frontaal of in driekwartprofiel afgebeeld. Het museum gaf opdracht voor een historisch portret van Catharina II in profiel en uitgevoerd in de techniek van de «ets». Ook moest een oplossing worden gevonden voor de compositorische canon waarbij het gezicht van het model de overheersende, centrale plaats inneemt. De omtrek van de geportretteerde was verre van elegisch en de gelaatstrekken waren verre van ideaal. Urenlange bestudering van werken van kunstenaars die Catharina hadden afgebeeld, zette mij aan tot artistieke zoektochten die neerkwamen op het aangaan van een intellectuele krachtmeting met de interessantste kunstenaars uit de «Catharina-tijd». De facetten van deze grote persoonlijkheid moesten worden begrepen, onthuld en genuanceerd. Het portret moest een bepaalde interpretatie als historisch personage verkrijgen. Een lichte glimlach verleende het beeld iets raadselachtigs. De materiële cultuur weerspiegelde de tijd, terwijl de transparante kleurmodellering (aquarel over ets) de vrouwelijkheid van haar verschijning benadrukte.
De portretopgave bij de afbeelding van Hans Christian Andersen (1990) was daarentegen opgebouwd volgens het principe: vertellen over de mens-sprookjesverteller binnen de leefwereld van zijn personages. Het portret is geïllustreerd, waarbij het verhaal hier niet als aanleiding wordt genomen, maar als beginsel van de artistieke opbouw, waarin plastische vraagstukken worden opgelost, de grafische voorstelling wordt gevarieerd en een verhalende rijkdom wordt gecreëerd door een groot aantal personages uit de werken van de auteur. De sprookjesfiguren die naast hem leven, geven de ruimte als het ware een stoffelijk karakter en «bewonen» die als een huis. Het portretverhaal is onderworpen aan een «sprookjesachtige» discipline, hetgeen tot op zekere hoogte de mogelijkheid biedt een complex geheel van gebeurtenissen uit verschillende tijden in één illustratie samen te brengen. Hier is het passend over een ander waarnemingsprincipe te spreken; laten wij dit het spelen van theater noemen, de wereld van het oude sprookje, waarin niet het ondeugende van het spel het boeiendst is, maar het mysterie en de betovering van de sfeer. Het portret van Andersen zelf is als het ware de intonatie van de sprookjesverteller, het huis van de sprookjesverteller.
De «gelaagdheid» van de illustratie in een kinderboek moest op subtiele wijze worden uitgespeeld. De waarneming en goedgelovigheid van kinderen, de sentimentaliteit van volwassenen, het wegzinken van kinderen en volwassenen in een land van illusies en de terugkeer naar de kindertijd moesten worden weerspiegeld. En zo moest ik voor de lezer een gesprekspartner worden, en niet iemand die eenvoudigweg een portret van H. C. Andersen had vervaardigd. Rijk sprookjesmateriaal biedt de kunstenaar altijd aanleiding tot estheticisme en het verlenen van een feestelijke kleur aan gebeurtenissen, want het sprookje is een wereld die vaak als aanleiding dient voor zuivere improvisatie op een thema. In dit portret-illustratie heb ik geprobeerd uiteenlopende kleurencombinaties en elementen op te nemen die de toeschouwer in staat stellen van de gravure te genieten door haar van dichtbij en uitvoerig, centimeter voor centimeter, te bekijken, zoals de complexe regie dat vereist. De geëtste lijn, nu eens recht en onderbroken, dan weer licht en kronkelend, creëert op het oppervlak van de graveerplaat beelden van «Andersens» personages.
Alle zoektochten en grafische vondsten probeerde ik uit in kleine vormen - ex-librissen. De werken werden bepaald door een nauwkeurig uitgewerkte en vooraf bepaalde beeldende conceptie. Mijn kennis van en opvattingen over de kunst van het boekmerk komen in alle vroege werken tamelijk duidelijk tot uitdrukking. Ik zal niet proberen te verbergen dat ik gefascineerd was door het werk van de oude miniatuurmeesters en uiteraard door hun «wijze» van uitvoering.
De portret-ex-librissen van V. Sjejko (1985) en V. Loepoe (1985), opgedragen aan Albrecht Dürer, worden functioneel bepaald door een heel complex van esthetische opgaven. Afhankelijk van de geportretteerde probeerde ik de mate van diepte in de voorstelling en de onderlinge verhouding van de details binnen de totale compositie te variëren, maar de portretten moesten altijd ruimtelijk rijk en monumentaal blijven. Daartoe behoren het portret van keizer Maximiliaan, verweven met het monogram AD (Albrecht Dürer), en het zelfportret van A. Dürer tegen de achtergrond van het magische vierkant uit zijn bekende gravure «Melencolia». Dit zijn als het ware «replica’s» op werken van de Duitse kunstenaar. Ik probeerde de ontworpen composities te voorzien van eigenschappen die kenmerkend zijn voor het werk van de grote kunstenaar. Naar mijn mening vormen ze een voldoende samenhangend geheel en verdragen ze een aanzienlijke vergroting zonder daarbij de kracht van hun esthetische werking te verliezen.
De «rechtstreekse» benadering van het motief en het beeld van het portret van Taras Sjevtsjenko in het boekmerk van Mykola Bosenko (1989) leek mij het meest expressief. Bij het compositorisch organiseren van de portretruimte creëerde ik een trapsgewijs verdiepte lijst, met in het midden het beeld van de dichter: zo slaagde ik erin maat en verhoudingen van de voornaamste constructieve ritmes en de beweging van de plastische massa’s aan elkaar ondergeschikt te maken.
De miniatuur die voor Renzo Mancini (1988) werd vervaardigd, werd volgens een ander principe vormgegeven. Het is een metafoor van complexe associatieve verbanden: hier streefde ik er als kunstenaar naar het moment te «grijpen», met een zekere analytische benadering en visie op de tijd. Het afgebeelde portret van D’Annunzio «schommelt» tussen de uiterlijke vastlegging van het gezicht en een aanspraak op «psychologie». Maar in het algemeen treedt het portret als het ware naar de achtergrond (althans tijdelijk) ten opzichte van het verhaal van de gehele compositie, met haar complexe psychologische botsingen. De ruimte in deze kleine vorm wordt beschouwd als een vormgevende omgeving die identiek is aan de gespannen sfeer van die tijd, terwijl de lezing van de portretcompositie als het ware kennis laat maken met een document van de artistieke cultuur van dat tijdperk.
De door mij gecreëerde portretgravures vormen een hele wereld van beelden die op vreemde wijze met elkaar verweven zijn en in iedere gebeurtenis een schakering aanbrengen die kenmerkend is voor juist mijn beeldende denken.
Het portret in het ex-libris bestaat als een bijzondere, verzonnen wereld die leeft in de werkelijke wereld, in de wereld van de kunst, in de wereld van het verzamelen en bestuderen.
Het portret in de beeldende kunst blijft het meest gevraagde en zelfstandige genre. Wij zullen geïnteresseerd blijven in de geportretteerde, diens innerlijke wereld en het artistieke meesterschap van de maker, ongeacht of deze schilder, graficus of literator is.